¿Quiénes fueron las artistas que se animaron a utilizar su arte para traspasar las barreras del tabú sexual?
En un contexto europeo en donde la industrialización y la aparición de ciudades se comienzan a percibir a través de avances tecnológicos y cambios en el entramado social, el arte, institucionalizado y elitista, experimenta un cambio fundamental: se comienza a defender el proyecto del arte como algo accesible y cotidiano. Esto se lograría mediante la unificación de las bellas artes y las artes aplicadas, borrando, así también, la ubicación de las grandes obras únicamente en la esfera privada.
Así, las bellas artes comienzan a tomar también un rol publicitario, las calles empiezan a llenarse de afiches en los que predominan las flores y la figura femenina, la cual se utilizó como método de venta, para atraer tanto a los hombres como a las mujeres (quienes en esta época lograron una mayor independencia económica o por lo menos el acceso al dinero que antes se les negaba).
El final de la Primera Guerra Mundial marca un cambio geopolítico en el que Estados Unidos se instala como nueva gran potencia económica, política y militar. En este nuevo contexto internacional, el modernismo estadounidense se afianza como un movimiento único, diferenciado de la estética europea y de lo establecido en el arte europeo hasta entonces.
La gran cantidad de culturas que conformaron a esa potencia fueron claves en la inspiración de los artistas de la época, que frente a este nuevo contexto social se propusieron desafiar los estándares de lo que podía mostrarse, y retratar los conflictos, hallazgos y experimentaciones que se generaban en la sexualidad, riqueza, religión, clase y origen.
Este movimiento permitió entonces la entrada a la escena del arte de nuevas miradas, y las artistas femeninas se encargaron, en muchos casos, de brindar una nueva visión sobre la sexualidad, en las que se colocaban en el centro de la escena. Hoy nos gustaría hablar sobre tres de ellas: Clara Tice, Agnes Pelton y Florine Stettheimer.
Florine Stettheimer (1871 – 1944)
Nació en Nueva York en el seno de una rica familia de banqueros de origen germano-judío. Después del abandono de su padre y de que sus dos hermanos mayores se casaran, Stettheimer fue criada por su madre, junto a sus otras dos hermanas, con quienes formó un estrecho vínculo. La gran fortuna familiar, junto a la visión liberal de una madre que nunca exigió a sus hijas buscarse un trabajo o un marido, hicieron que Florine pronto dedicara su vida a la pintura.
Pasó parte de su infancia y juventud en Europa donde estudió a los Viejos Maestros visitando museos y galerías de arte en Italia, Francia, España y Alemania. Stettheimer también visitó exposiciones de salones contemporáneos y estudios de artistas, viendo el trabajo de Cézanne, Manet, Van Gogh, Morisot y Matisse.
En 1892, Stettheimer se matriculó en un programa de cuatro años en la Art Students League de Nueva York, una escuela modelada en las escuelas privadas de París. Al graduarse, había dominado la pintura realista, el retrato académico y desnudos de estilo europeo.
Tras el estallido de la Primera Guerra Mundial volvió a su país natal donde se instaló con su madre y hermanas en un lujoso apartamento de Manhattan y crearon un salón que atrajo a los miembros de la vanguardia.
En 1917, el estilo de Stettheimer evolucionó a un lenguaje visual que rechazaba tanto el formalismo tradicional como la abstracción modernista. Stettheimer transformó su estilo de pintura volviendo a la influencia miniaturizada, teatral y colorida de sus diseños para Orphée des Quat’z Arts. Cada lienzo estaba organizado como un escenario lleno de familiares, amigos y conocidos fácilmente identificables, en ellos, ejecutó temas controvertidos de etnia y preferencia sexual y también diseñó varias escenografías para teatro y ballet.
En todas sus obras, menos en los retratos, Stettheimer llenó su pintura con colores primarios brillantes, a menudo sin mezclar, sobre un fondo blanco plano, y muchos toques pequeños muy detallados y humorísticos.
En 1944, Stettheimer murió de cáncer en el Hospital de Nueva York. Pidió a su hermana, Ettie, que sus obras no fueran vendidas, sino que fueran donadas a diferentes museos de todo el país. Al enterarse del fallecimiento de la artista, Duchamp pidió permiso a Ettie para organizar una retrospectiva de las pinturas de Stettheimer, siendo esta exposición la primera retrospectiva completa de una artista mujer organizada por el Museo de Arte Moderno.
Agnes Lawrence Pelton (1881-1961)
Fue una pintora modernista alemana que se mudó a los Estados Unidos cuando era niña. Realizó retratos de nativos americanos, paisajes desérticos y naturalezas muertas. El trabajo de Pelton evolucionó a través de al menos tres temas distintos: sus primeras «pinturas imaginativas», el arte de la gente y paisaje del suroeste de Estados Unidos y el arte abstracto que reflejaba sus creencias espirituales y en el que se ve una clara referencia hacia su genitalidad.
Nacida en una familia de padres estadounidenses, vivió en Países Bajos y Suiza durante su primera infancia y en 1888 Agnes y su madre se mudaron a la casa de Elizabeth Tilton en Nueva York. Su padre murió trágicamente de una sobredosis de morfina en 1891. Debido a su mala salud, Agnes fue educada en casa y su madre y Arthur Whiting le enseñaron piano.
De 1895 a 1900 Pelton estudió en el Instituto Pratt, graduándose con su compañero Max Weber. Continuó sus estudios con uno de sus instructores, Arthur Wesley Dow, en Massachusetts, estudió paisaje y fue asistente en su escuela de verano, donde enseñó modernismo, inspirado en el arte chino y japonés. Tomó clases de verano con William Langson Lathrop en 1907 y en 1910 y 1911 estudió en la British Academy en Roma.
Fue una simbolista visionaria que describió la realidad espiritual que experimentó en momentos de quietud meditativa. El arte para ella era una disciplina a través de la cual dio forma a su visión de una conciencia superior dentro del universo. Utilizando un vocabulario abstracto de formas curvilíneas y biomórficas y delicados y relucientes velos de luz, retrató su conciencia de un mundo que se esconde detrás de las apariencias físicas: un mundo de energías benévolas e incorpóreas que animan y protegen la vida.
Clara Tice (1888 – 1973)
Fue una ilustradora y artista de vanguardia estadounidense, que pasó la mayor parte de su vida en la ciudad de Nueva York. Debido a su arte provocativo y apariciones públicas, fue vista como representante del bohemio Greenwich Village y, por lo tanto, conocida como «La Reina de Greenwich Village».
Casi en 1908, Tice pudo estudiar con el famoso artista y maestro Robert Henri. En 1910, Henri y algunos de sus amigos artistas organizaron la primera exposición de Artista Independiente. Esta muestra de arte, que fue una revolución con su concepto sin jurado y sin premios en ese momento y, por lo tanto, recibió una enorme atención, fue respaldada financieramente por Tice y presentó sus trabajos.
En 1915, la fama de Tice se disparó cuando Anthony Comstock, principal fundador de la Sociedad para la Supresión del Vicio, intentó confiscar el arte de Tice en el conocido restaurante bohemio Polly’s. A partir de entonces las imágenes de obras de arte y fotografías de la artista de Tice aparecieron en revistas como Vanity Fair, Pícaro, El ciego, y la revista de historietas. Durante ese tiempo, tuvo varias exposiciones individuales y también trabajó en muchos otros proyectos, por ejemplo, creó carteles para bailes de disfraces bohemios y se interpretó a sí misma en la versión de 1922 de Greenwich Village Follies .
Durante esos años, Tice no solo jugó un papel importante en la colorida escena artística de Greenwich Village, sino que también se unió al Arensberg Circle -un grupo de artistas asociados con el dadaísmo- en su ubicación en la parte alta de la ciudad. Probablemente fue Marcel Duchamp quien presentó a Tice a Walter y Louise Arensberg y su salón. Tice participó en dos proyectos del círculo: primero, dos de sus trabajos se mostraron en la primera exposición de la Sociedad de Artistas Independientes y segundo, uno de sus trabajos apareció en The Blind Man.
Durante la década de 1920, ilustró alrededor de una docena de libros con sus imágenes eróticas, que en la actualidad son costosas piezas de colección. En 1940, publicó su propio libro titulado ABC Dogs, un libro infantil en el que cada letra del alfabeto está representada por una raza de perro cuyo nombre comienza con la misma letra. Esta publicación despertó un renovado interés en Tice y su arte. También trabajó en sus memorias, que nunca completó.
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